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Interviste

Intervista ad Alex Polidori, la voce italiana di Spider-Man

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Abbiamo avuto l’occasione di intervistare Alex Polidori, la voce ufficiale italiana del nuovo Spider-Man interpretato da Tom Holland. In questa lunga chiacchierata abbiamo parlato di tante cose dai suoi primi passi nel mondo del doppiaggio, fino al successo Marvel e non sono mancati momenti divertenti e riflessioni su come il covid-19 abbia cambiato anche la routine lavorativa in studio di doppiaggio.

Silvia: Hai iniziato a doppiare da piccolissimo, com’è avvenuto il tuo primo incontro con questo mondo?

Alex Polidori: È iniziato tutto per caso, mi sono ritrovato in studio di doppiaggio seguendo mio fratello (Gabriele Patriarca, la voce italiana di Neville Paciock). Io volevo fare tutto quello che faceva lui e così lo accompagnavo sempre alle registrazioni. Si inizia con piccole parti e poi hanno notato che ero predisposto, non ero per niente timido e impacciato, anzi. Non siamo nati in una famiglia di doppiatori, ma chissà forse saremo noi a iniziare la tradizione.

Lucrezia: Adesso siamo curiosi di scoprire qualcosa in più del dietro le quinte di uno studio di registrazione. Come avviene la magia?.

Alex Polidori: È un lavoro affascinante, soprattutto visto da fuori, e ci si diverte a farlo, ricordo quanto fossero entusiasti i miei amici quando da bambino li portavo a vedere una registrazione. Nell’ambiente possono anche nascere importanti amicizie e relazioni, la mia ragazza è Sara Labidi (la doppiatrice di Arya Stark) e pure mio fratello sta con una doppiatrice. È un bell’ambiente, ma come tutti i lavori ha pro e contro e c’è della competizione tra colleghi, ma resta una grande famiglia, io passo più tempo in studio che a casa.

Silvia: Come hai affrontato lavorativamente questo periodo di quarantena e com’è stata la ripartenza?

Alex Polidori: All’inizio in qualche studio si è cercato di incidere con la mascherina chirurgica perché non modifica troppo il suono e bastano piccoli accorgimenti tecnici per risolvere il problema, ma la maggior parte degli studi la fa togliere, solo per la durata della registrazione. In studio poi abbiamo diverse precauzioni, come un po’ dappertutto. Non c’è più il copione cartaceo ma un tablet che viene usato da remoto, ci sono pannelli di plexiglas che dividono lo staff e non si doppia più assieme ai colleghi, ma ognuno registra la propria parte che poi viene unita a quella degli altri, ma questa era un’abitudine che stava prendendo piede già prima di questo periodo.

Lucrezia: Hai doppiato davvero tantissimi personaggi, qual è stato il più difficile e il più divertente?

Alex Polidori: Un personaggio difficile in sé non esiste perché credo che ognuno a modo suo sia particolare e unico. La difficoltà semmai è doppiare un attore che non è molto bravo o poco espressivo e che quindi non ti suggerisce come comportati. Doppiare un attore in carne ed ossa è un processo anche interpretativo: ad esempio con Tom Holland che è molto dinamico mi sono trovato benissimo perché era lui che mi suggeriva come fare la parte e il lavoro così risulta più semplice.

Silvia: Spider-Man ha avuto tre diverse versioni cinematografiche, con alterne fortune, tu come ti sei rapportato a questo personaggio?

Alex Polidori: Questo personaggio per me era molto importante perché mi è sempre piaciuto, da bambino mi vestivo da Spider-Man, e ho guardato i cartoni e i film. Ma quando lavoro non mi faccio trascinare dal mio essere fan e cerco di essere distaccato e professionale perché altrimenti si rischia di perdere di vista diversi aspetti tecnici. Quando doppio Spider-Man e vedo delle scene entusiasmanti mi emoziono anche io, ma noi dobbiamo far emozionare anche lo spettatore. Per questo quando rivedo alcuni dei lavori che ho doppiato sono abbastanza critico e ci metto due o tre volte per apprezzare appieno il film perché prima mi concentro sulla mia voce e quella dei miei colleghi. E infatti se il doppiaggio di un film è fatto bene si vede ed è piacevole per chi lo guarda. Poi trovo che Spider-Man sia nelle mie corde, ha sempre la battuta pronta ed è maldestro, in questo senso mi somiglia e in più Tom Holland è un bravo attore e non mi rende difficile il lavoro.

Lucrezia: Ti seguiamo sui social e abbiamo visto che ti stai cimentando anche come cantante, ci racconti qualcosa in più di questa tua passione?

Alex Polidori: La mia vita parallela al doppiaggio, ma che a volte incontra il doppiaggio, è quella di cantautore, ho fatto uscire alcuni singoli e ne sto producendo degli altri. Mi sono tolto alcune soddisfazioni, partecipando anche ad un contest all’Arena di Verona e sono arrivato secondo nella categoria dei cantanti emergenti. Ho prodotto 6 singoli e a fine mese uscirà una canzone sul tema dell’ambiente che mi sta molto a cuore. Ho sperimentato vari generi, tra cui il rap, ho suonato anche al Piper di Roma e quando vado a fiere dedicate al mondo nerd spesso mi accompagna la mia band e il mio ukulele, che è un po’ il mio marchio di fabbrica (ride). È una strada che mi piace e spero di poter avere un giorno un mio seguito di fan, ma il doppiaggio resta la mia vita.

 

Potete trovare i lavori di Alex Polidori su Youtube e Spotify.

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Intervista a Samuele Sciacca, alfiere italiano dei meme-games

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Qualcuno di voi ricorderà sicuramente Al Bano vs. Dinos, divertentissimo videogioco dedicato alle dichiarazioni del cantante di Cellino sulla possibilità di sconfiggere il covid-19 data la nostra esperienza nell’abbattere i dinosauri. Altri ancora ricorderanno, invece, il videogame The Boys, dedicato alla omonima serie trasmessa su Amazon Prime Video. Entrambi hanno in comune la figura di Samuele Sciacca, developer nostrano.

Samuele Sciacca Al Bano vs. Dinos

Bene, in collaborazione con il canale partner Four To Play abbiamo intervistato Samuele Sciacca, promotore di quello che è praticamente n nuovo genere: il meme-game. In fondo all’articolo troverete la versione video completa dell’intervista.

Ciao Samuele, cosa fai nella vita?

Mi dedico allo sviluppo di un tipo particolare di videogiochi: gli adver-game e, inoltre, ho un canale YouTube tramite il quale tento di insegnare lo sviluppo di videogame agli altri.

Noi ti abbiamo conosciuto durante i mesi del lockdown con Al Bano vs. Dinos, come è venuta l’idea?

L’idea è stata a dire il vero di Manolo Saviantoni, in arte The Oluk che collabora con me in qualità di pixel artist. Un giorno mi ha proposto di realizzare questo ‘meme-game’. Inizialmente non volevo farlo perché ero strapieno di lavoro, poi però ho cambiato idea ed è successo quello che è succcesso.

Con il successo sei diventato praticamente un meta-meme.

Sì, beh c’è una cosa che non abbiamo ancora reso pubblica ma ne approfitto per annunciarla in esclusiva qui. Abbiamo comprato il dominio memegames.it sul quale portare da ora in avanti tutti i videogiochi che faremo basandoci sui meme. Dopo Al Bano Vs. Dinos vi ricorderete sicuramente di Capramento, il titolo dedicato a Sgarbi e alla strana sua uscita dal Parlamento italiano.

Dato che non lavori da solo forse è il caso di ricordare anche gli altri membri del team.

Sì, non ho un team fisso vero e proprio ma ci sono dei collaboratori coi quali lavoro più spesso. Uno lo abbiamo già citato ed è The Oluk che si occupa della pixel-art. Le musiche, invece, sono affidate a Jeff Sisti. Con loro ho realizzato i meme-games di cui abbiamo parlato. Certo, molto si basa anche sulle richieste che mi vengono commissionate. Se ad esempio mi viene richiesto uno stile grafico diverso dalla pixel-art bisogna adattarsi.

Samuele Sciacca Capramento

Torniamo alle origini. Come è iniziato tutto?

Ho iniziato a circa 10 anni col mio primo computer. Un Toshiba regalatomi da mio padre, quasi 700 euro di portatile. Nonostante fosse davvero un buon laptop ero costretto a formattarlo quasi ogni mese perchè non facevo altro che installare programmi nuovi ogni mese, RPG Maker, FPS Creator… Intorno ai 15 anni ho scoperto il framework Face RGS e, con quello, in una mattina che ero a casa da scuola, realizzai il mio primo videogioco vero e proprio.

Da lì nasce una storia interessante: qualche settimana prima per puro caso avevo scoperto il servizio Game Mix ma, quando sono andato a cercarlo su twitter, ho digitato per sbaglio Game Pix. Li contatto, convinto di essermi rivolto alle persone che cercavo inizialmente e scopro di stare parlando con dei publisher italiani a cui il mio progetto piace, e parecchio anche. Da lì ho scoperto che con i videogiochi si può anche guadagnare e allora ho iniziato a realizzarne parecchi.

Il lavoro ha ingranato fin da subito?

A dire il vero no. Ho continuato a provarci fino ai 20. In quel periodo stavo trascorrendo il classico anno a Londra dove sono finito a fare il lavapiatti. Fino a quando non vengo contattato dalla catena Mondo Convenienza che mi commissiona ben 7 adver-game. Solo dopo quell’esperienza ha iniziato a diventare un lavoro più serio. Torno a Messina, la mia città d’origine, per aprire la partita IVA e subito dopo mi trasferisco a Milano.

Quanti videogiochi hai già realizzato, più o meno?

Fino ad ora, di quelli pubblicati, sono 30 o forse più ma dovrei contarli, non sono sicuro.

Poco fa hai detto di avere realizzato il primo in una mattina a casa da scuola. Quanto ci hai messo?

Appena 4 ore. Il videogame si chiamava Blop, c’è anche un video dedicato sul mio canale. Si trattava ovviamente di qualcosa di veramente basilare. Però da lì ho capito che si può realizzare un business dai videogiochi. Credo di essere stato il primo della mia cerchia a intuire la possibilità di sviluppare browser-game in HTML-5 mentre tutti gli altri mi consigliavano dei più ‘comuni’ mobile-games per iOS o Android.

Se potessi scegliere di lavorare per una Major, quale sceglieresti?

A dire il vero non è il mio sogno. Mi piace già molto quello che faccio e vorrei continuare a farlo e rimanere indipendente. Ma, se proprio dovessi scegliere, direi che per i videogiochi su console sceglierei Rockstar Games e per mobile SuperCell, ma non so quanto sarebbero interessati a quello che faccio.

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Come ti vedi da qui a 5 anni? Cosa pensi di realizzare?

Spero di riuscire a realizzare il mio piccolo sogno. Ovvero riuscire ad avere la mia azienda indipendente ed affermarmi come leader nella realizzazione di questo tipi di contenuti B2B. Ma mi piacerebbe anche insegnare, tantissimo. Insomma, se potessi vorrei aprire una vera e propria accademia dove tutti possano imparare a creare videogiochi e farne un lavoro. A tal proposito sto già cercando di capire come fare.

Ma come ti differenzieresti da altre realtà già esistenti sul territorio italiano?

Vorrei che la mia fosse davvero una accademia accessibile a tutti senza sostenere costi eccessivamente elevati. Provenendo da una determinata realtà capisco che non sia possibile per tutti sostenere una retta annuale da 8000 euro e oltre, magari in una città dispendiosa come Milano. Quindi sto valutando diverse soluzioni, compresa magari una piattaforma web.

Quanto influisce adesso quello che hai giocato in passato?

Posso dire parecchio, ma non perché io abbia avuto il cosiddetto occhio critico. Io non sono quel tipo di videogiocatore che passa molto tempo nella storia. Punto più al lato marketing della faccenda e questo, credo, mi ha permesso di realizzare videogiochi che sono effettivamente interessanti per i miei clienti o comunque ‘vendibili’. Ma una cosa di cui mi dispiaccio è che non riesco a giocare molto se non ogni tanto a Fall Guys.

Che messaggio vorresti lanciare a chi vuole intraprendere la tua strada?

Provateci. Non perdetevi d’animo e non ascoltate chi cerca di scoraggiarvi. Sono difficoltà che ho affrontato anche io ma vi assicuro che è possibile. Se potete provate a fare esperienza anche all’estero per aprirvi la mente. Credeteci. Credete tanto in voi stessi.


Sono tantissime altre le domande che abbiamo rivolto a Samuele Sciacca su di lui, la sua storia e come è nata la sua passione per i meme-games. All’interno del video troverete tutte le domande non trattate nell’articolo e come si evolveranno i suoi progetti futuri. Se volete scoprire tutte le novità che verranno da lui e dal suo team vi rimandiamo al suo sito ufficiale e al suo canale YouTube.

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Interviste

Intervista a Giulia Maniglio, voce di Alice Synthesis Thirty e Toru Hagakure

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Abbiamo intervistato Giulia Maniglio, voce italiana di Toru Hagakure in My Hero Academia The Movie: Two Heroes, Lylia in Pokémon Sole e Luna, Alice Synthesis Thirty in Sword Art Online e tanti altri personaggi.

Ciao Giulia, innanzitutto volevo ringraziarti per averci concesso questa intervista e volevo complimentarmi per il tuo lavoro da doppiatrice. La prima domanda è un po’ di rito. Come e quando è nata la passione per il doppiaggio? E come hai iniziato?

Fin da piccola ho sempre amato recitare e cantare ma ero molto timida. Non riuscivo a esibirmi davanti a nessuno, nemmeno ai miei familiari. Questa timidezza ha fatto sì che iniziassi a chiudermi nella mia cameretta con un paio di cuffie, recitando a memoria i miei film o cartoni preferiti mentre li guardavo. All’epoca non sapevo cosa fosse il doppiaggio, avrò avuto una decina di anni. Sapevo solo che in quei momenti ero felice e potevo essere chi volevo. Non c’erano limiti alla fantasia. Poi questo passatempo è diventato una passione, un sogno per il futuro… sogno che fortunatamente si è avverato!

Sei stata la doppiatrice di uno dei film netflix più visti, Tutte le volte che ho scritto Ti amo, come descriveresti questa esperienza?

Doppiare Lara Jean è stata un’esperienza fantastica. Ricordo che il primo turno ero agitatissima, perché avevo paura di non essere all’altezza, ma ho avuto la fortuna di avere un bravo direttore che mi incoraggiò, rendendo ogni momento un’occasione per migliorarmi come artista. In più il film ha avuto un grande successo, tanto che spesso ricevo messaggi dai fan che vogliono che li saluti con la voce di Lara Jean. Credo sia una cosa bellissima, la conferma di aver fatto un buon lavoro. È una grande soddisfazione!

Sei anche la voce ufficiale di Lylia in Pokémon Sole e Luna, che impatto ha avuto su di te questo personaggio

Credo di aver adorato Lylia fin da subito. Mi sono ritrovata un po’ nella sua storia: lei non riesce a toccare i Pokémon ma cerca in tutti i modi di superare questa paura, per poter diventare una grande allenatrice; un po’ come io ho dovuto vincere – lo ammetto, non ce l’ho ancora fatta del tutto – la timidezza al leggio per poter fare la doppiatrice. Inoltre la serie di Pokémon Sole e Luna conta molti episodi perciò ho prestato la voce a Lylia per quasi tre anni, un periodo di tempo non indifferente che mi ha fatto affezionare ancora di più al personaggio.

In generale, i tuoi personaggi forgiano la persona che sei al di fuori dello studio?

Sicuramente tra un personaggio e il suo doppiatore si crea una sorta di legame. Seguiamo un copione e il lavoro svolto nella versione originale, ma usiamo le nostre emozioni che hanno anche origine da esperienze passate. Se per esempio devo doppiare un personaggio che ha subito una perdita, mi viene subito in mente quando ho perso mio nonno, al quale ero molto legata, e mentre doppio do al personaggio non solo la mia voce, ma anche i miei sentimenti.

Certo non nego che a volte rimango un po’ spiazzata nel corso della mia giornata: potrei doppiare una dolce bambina la mattina e alla sera, invece, una psicopatica. Ma è uno degli aspetti divertenti di questo lavoro.

Su Instagram hai scritto che l’anime Pokémon ti ha accompagnata durante tutta l’infanzia, come hai reagito quando ti è stato detto che avresti lavorato a Pokémon XY e Pokémon Sole e Luna?

È vero, amavo i Pokémon, soprattutto i videogiochi. Ricordo che quando feci il provino per la serie animata di Sole e Luna, avevo da poco ordinato la versione per Nintendo! Avevo visto i personaggi su un leak e pensai che sarebbe stato bello avere un ruolo in una serie tanto storica e che seguivo da bambina. Quando mi dissero che avevo ottenuto il ruolo quasi non ci credevo, fui davvero felice.

Sei la voce ufficiale di Toru Hagakure nel film di My Hero Academia, conoscevi l’anime anche prima? Ti è piaciuto il tuo personaggio

Sì, conoscevo già My Hero Academia, ma come manga prima che anime. Doppiare Toru è stato davvero divertente: lei è invisibile, quindi a volte in sala mi capitava di dire “Toru? Ma dove sei?” perché non riuscivo ad identificarla sullo schermo. Spero davvero che questo personaggio continui ad esserci nella serie e che si sviluppi di più, sono certa che ha ancora molto da offrire.

Nell’anime sword art online doppi il personaggio di Alice Synthesis Thirty. Parlaci un po’ di lei.

È buffo perché, a differenza di altri anime che mi è capitato di doppiare, ho sempre seguito Sword Art Online: guardavo l’anime e avevo letto le light novel, inoltre Alice era il mio personaggio preferito! Quindi quando mi chiamarono per il turno fu una vera sorpresa, non me lo aspettavo proprio. Ricordo che feci il primo episodio con le mani tremanti e, appena annunciarono la pausa caffè, mi chiusi in bagno e iniziai a saltellare dalla gioia con le lacrime agli occhi!

Adoro Alice per via della sua storia e del suo carattere, doppiarla è sempre un piacere… e poi ha un drago!

Che consigli daresti a chi vuole intraprendere la strada del doppiaggio?

Consiglio di avere molta pazienza e tenacia. In questo settore si è costantemente messi alla prova: si continua a sostenere provini per quasi tutta la carriera. Ci sono dei dei “sì” e ci sono dei “no”.
Per questo, soprattutto agli inizi, non bisogna lasciarsi scoraggiare dalle porte chiuse.

Certo non è facile ma, come disse Walt Disney, se puoi sognarlo, puoi farlo!

Grazie mille per l’intervista e la disponibilità. Non vediamo l’ora di sentire nuovamente la tua voce nei nostri anime e film preferiti.

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Fumetti e Cartoni

Intervista a Tito Faraci: scrittore e sceneggiatore di Topolino e Diabolik

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Invitati al Giffoni Film Festival, abbiamo avuto il piacere di intervistare in esclusiva Tito Faraci, pietra miliare della sceneggiatura italiana. Faraci era presente al festival per presentare, durante una Masterclass, la graphic novel Un Sogno Chiamato Giffoni, realizzata in collaborazione con Wallie.

Ciao Tito, partiamo subito dalla collaborazione con Wallie, come vi siete incontrati e com’è stata?

Ciao Matteo. Be’ le collaborazioni in generale sono imprevedibili, vorrei raccontarti un aneddoto di quand’ero ragazzo.

Lavoravo per topolino e scrissi una storia che si intitolava La lunga notte del commissario Manetta senza sapere chi me l’avrebbe disegnata. All’epoca non esistevano mail e facevo un altro lavoro. Il disegnatore, che poi scoprii essere Giorgio Cavazzano, chiamò per farsi mettere in contatto con me perché mi voleva parlare della storia. Appena lo sentii pensai subito che avevo sbagliato qualcosa ed invece lui mi fece i complimenti, era rimasto colpito in senso positivo dalla mia sceneggiatura. Mi disse che per lui era un momento difficile, un periodo in cui era particolarmente demotivato e la mia storia l’aveva aiutato, gli aveva dato una spinta per proseguire meglio di prima.

Ecco, non me lo sarei immaginato eppure poi abbiamo continuato a lavorare insieme per altre storie. Io avevo l’età che adesso ha Wallie e, a distanza di molti anni, ho capito quello che Giorgio mi diceva: trovare nei giovani la voglia di fare. Avevo quest’occasione e sarebbe stato facile per me scegliere un disegnatore già rodato eppure ho voluto affidarmi ad un disegnatore che non aveva mai lavorato con uno sceneggiatore – perché Wallie ha pubblicato sempre libri come autore unico.

Per questo progetto mi ero riproposto due cose: la prima che non volevo scrivere un libro puramente celebrativo, la seconda è che volevo un disegnatore non scontato, e sono riuscito in entrambi gli intenti.

Come le è venuta l’idea di creare il personaggio di Edo in Un Sogno Chiamato Giffoni?

In realtà ho fatto una chiacchierata col direttore del festival, Claudio Gubitosi, e mi aveva raccontato di quand’era ragazzo: questa cosa di inseguire un sogno ma anche di come li odiasse, di come preferisse l’idea di provare a realizzare qualcosa anche quand’è difficile, e questo non lo considera un sogno perché è un qualcosa di realizzabile.

Ho cercato di raccontare la tenacia in maniera ironica e metterla nel personaggio. L’idea è partita soltanto da questo, da questa chiacchierata.

Poi abbiamo provato con Wallie a fare queste specie di strisce orizzontali che danno una lettura, quindi, verticale; e non solo anche i balloon disordinati fra loro che costringono il lettore a seguire il giro delle pipette, per suggerire la confusione delle voci in un set. Quindi c’è stato un vero studio per dare col fumetto un’idea di cinema senza imitarlo, Ironizzandolo.

Sinceramente trovo molto acuta l’idea delle vignette in widescreen che ricordano la camera o lo schermo. Parlando di ispirazione, passiamo a Spigole, il tuo nuovo libro. Quanto è difficile avere sempre nuove idee senza mai esaurirsi?

Molte volte è proprio dura inventarsi ogni giorno nuove cose, però alla fine mi pagano per fare qualcosa che pagherei per fare. Non esiste il lavoro facile e forse non sarebbe nemmeno giusto se esistesse. A me serve il mio carburante e poi avere la libertà di non scrivere sempre lo stesso personaggio ma di spaziare il più possibile.

Come mai spigole?

Il nome mi divertiva e poi c’è un fatto: a Milano tutti le chiamano erroneamente branzino e quindi trovavo divertente il fatto che lui invece volesse vendere spigole. Il protagonista, in carenza di idee, si convince che tutto il mondo là fuori non pensa ed è una cosa terribile, una spocchia imperdonabile: pensare che solo chi è creativo possa pensare mentre gli altri no. Infatti il mio protagonista avrà la giusta punizione.

Il suo romanzo lo vedrei quasi come un incitamento ai “creativi” a non mollare mai.

Sì, a capire che quella fatica è una fatica come molte altre che si trovano in qualsiasi lavoro. Da una parte non valorizzare troppo il proprio lavoro e anche apprezzare però la fortuna che si ha avuto per poterlo fare.

Durante la presentazione ha parlato della quarantena, come ha influito per quello che concerne il suo carburante? E a livello creativo, pensa che abbia influenzato le sue produzioni?

Qualunque tipo di storia io scriva, che sia fantascienza o western, che sembrano esistere in universi lontanissimi dal nostro, ho bisogno di un carburante che è camminare per strada, conoscere persone. Chi mi conosce lo sa, sono molto socievole – mi verrebbe quasi da dire un tipo da bar!

Mi piace frequentare gli amici, allargare la mia cerchia di conoscenze. Penso che quando scrivi una storia lontana, quello che percepisci per strada, quello che senti dalle persone: il raccontare le loro storie, le loro tragedie di vita, i loro problemi economici, relazionali; ecco tutto questo costituisce un enorme risorsa di carburante in cui tu puoi mettere anche un attacco di alieni. Perché sono situazioni reali che vivi. Penso che ogni autore dovrebbe farsi un giro per strada e conoscere quanto costa un chilo di pane o un biglietto della metropolitana. Durante la quarantena ho sentito che piano piano si esauriva questo carburante, tanto che piano piano sentivo difficoltà nell’ispirazione. Per fortuna adesso, come tutti, si ritorna a camminare per strada a risentire i vari contatti.

L’importante sono quindi i drammi reali, le storie di tutti i giorni, che poi possono essere messe anche in un contesto lontano o assurdo, perché i personaggi alla fine sono persone.

Sì, diciamo i personaggi risultano più coerenti delle persone, tuttavia dentro di loro albergano dei contenuti che sono veri, che vengono dall’osservazione delle persone.

Una cosa che mi ha aiutato molto, anche nel mondo Disney, è stata proprio rendere veri anche i topi ed i paperi, perché ci mettevo dentro le storie delle persone che conoscevo. In fondo con Topolino e Gambadilegno ho sempre cercato di raccontare l’impossibilità di essere amici ma allo stesso tempo anche di essere nemici.

Mi ha colpito questa cosa che lei dice del mondo Disney. Leggendolo fin da piccolo molte cose me le ha spiegate Topolino, anche temi pesanti. Per esempio da grandicello mi ricorderò sempre di una storia che parlava della morte, in cui Topolino e Pippo viaggiano nel tempo…

Certo ce l’ho presente, quella di Zemelo. Me la ricordo bene perché, nessuno lo sa, ma ho fatto io da editor.

Era l’epoca in cui facevo da editor esterno e tutor per i nuovi autori. Quella storia mi è stata portata e ho fatto di tutto per farla passare. È stata ripubblicata anche in varie occasioni, in molti Paesi del mondo; è una storia che parla di una cosa proibita come la morte ma era affrontata con un enorme delicatezza, e ne sono molto fiero. C’è anche un po’ il mio zampino, ma ho fatto di tutto per difenderla.

C’è una storia di Topolino che le è rimasta nel cuore?

Forse una che si intitola Dalla parte sbagliata in cui affronta in maniera viscerale il rapporto fra Gambadilegno e Topolino.

Per rimanere in tema disneiano, in un’altra intervista ha parlato della famiglia Topolinia e della famiglia Paperopoli. Vorrei approfondire un po’ l’argomento.

È una visione un po’ estremizzata però, secondo me, corretta. Il mondo dei paperi è un mondo dominato dai rapporti familiari sostanzialmente, salvo eccezioni, e quindi c’è l’obbligo di frequentarsi. In realtà è come se Paperino non avesse amici. Se facessi una storia di Paperino che va a trovare fuori città un vecchio amico, la redazione direbbe: Ma che strano!. Se invece iniziassi una storia con Topolino che va a trovare un vecchio amico la redazione non direbbe nulla, tutto normale.

Invece il mondo di Topolino è dominato soprattutto dai rapporti di amicizia e di amore. Topolino è amico di Pippo, di Basettoni, di Orazio; Orazio è innamorato di Clarabella, Topolino ama Minnie, Gambadilegno ama Trudy, Topolino e Gambadilegno hanno un rapporto di amicizia negata. La parentela è lo scegliersi. Quindi nessun rapporto del mondo di topolino è obbligatorio. Questo mi ha sempre fatto interessare, almeno fino ad oggi, di più il mondo dei topi: perché il fatto che tutti si scelgano, non siano obbligati e che ogni rapporto che sia di amicizia, amore o rivalità può finire da un momento all’altro.

Però ultimamente la difficoltà fra parenti di trovare un’intesa ed anche il peso della responsabilità della famiglia, forse perché sono cresciuto negli anni e ho avuto dei figli, mi hanno fatto trovare interesse per il mondo dei paperi.

Penso che paradossalmente dipenda dalla propria esperienza di vita e dalle fasi che uno attraversa.
Parlando di differenze nel corso degli anni: suo figlio so che le ha fatto scoprire Sio, com’è stato?

Quando mio figlio aveva sedici anni, mi ha fatto vedere che mi aveva nominato in qualche intervista. Poi ho visto che mi seguiva su Twitter così l’ho seguito anch’io e gli ho scritto ringraziandolo per la stima nei miei confronti. Poi io cercavo qualcuno per Topolino e quindi gli ho fatto provare a scrivere delle storie perché ho capito quanto lo amava. Siamo diventati amici ed è nata un’ottima collaborazione che spero continuerà.

Dopo tutta una vita passata scrivere e sceneggiare si potrebbe definire arrivato o c’è ancora qualcosa che cerca?

Non mi sento arrivato. Questa forse è una virtù o una maledizione, non lo so. C’è ancora ambizione di fare qualcosa di nuovo, di provare una nuova sfida anche a costo di perderla, questa non mi è mai passata! Dal punto di vista personale, penso, non si possa dire: Ah va bene così per ancora un po’!. Penso che dal punto di vista creativo sia una benedizione non sentirsi mai arrivato.

Come molte persone creative quando riceviamo una critica positiva seguono attimi di felicità, mentre ad ogni critica negativa seguono ore o giornate di tormento. Abbiamo in tanti la sindrome dell’impostore, per cui pensiamo di essere stati messi a fare qualcosa senza alcun merito e abbiamo paura di essere smascherati come truffatori. Io non riesco a godermi le critiche positive e non riesco a passare sopra a quelle negative.

La sua passione per la scrittura com’è nata?

È nata dalla passione per la lettura e per le storie in generale dai fumetti ai libri, piuttosto che ai film sia in televisione che al cinema. In ogni scrittore c’è un lettore.

E si ricorda qual è stato il primo libro o fumetto che ha letto?

Non ce la faccio. Ne ho letti tantissimi che non saprei. Per quanto riguarda i fumetti potrei ipotizzare un Topolino o un Asterix. Per quanto riguarda la narrativa ho veramente problemi a ricordare.

Parlando di storie mi viene in mente l’aneddoto che hai raccontato: “se avessimo 4 dita invece che 5?”, in cui bisognava cambiare il nostro sistema decimale. Ecco quanto pensa che la fantasia sita nelle storie possa in qualche modo influenzare la scienza?

Penso non siano territori così lontani. La capacità di astrazione, di spingersi verso l’ignoto in territori ancora non esplorati appartiene alla creatività. Nell’esplorazione del pensiero confluiscono la scienza e la creatività. Il pensiero creativo è stato alla base dell’umanesimo, per esempio. Spingere il proprio cervello ad analizzare ipotesi che fino a quel momento sembravano insensate.

Una domanda un po’ più personale: quanto costa in termini emotivi scrivere?

Un tempo pensavo che fosse particolarmente influente nella mia vita. Diciamo che qualsiasi lavoro uno faccia influisce nella vita privata di una persona, quando torni a casa te ne porti un po’. Il fatto che il mio lavoro possa essere svolto ovunque, il fatto che anche adesso potrei tornare in albergo e mettermi a scrivere, il fatto che ti segua ovunque e che la notte ti possa svegliare, ecco queste cose sono pratiche e a livello psicologico è impegnativo. Devi imparare a conviverci, a scaricare ogni tanto.

Purtroppo gli sceneggiatori in Italia non sono riconosciuti. Molte persone non sanno nemmeno che lavoro svolgano, ed ecco: quando ha iniziato a studiare e lavorare in quest’ambito la sua famiglia, le sue amicizie cosa le dicevano?

La mia famiglia non sapeva e tutt’ora non sa esattamente cosa stia facendo, ma in realtà neanche i miei vicini di casa! Quindi è un lavoro che malgrado adesso stia diventando più noto, rimane pur sempre sconosciuto e misterioso. Tant’è che c’è chi pensa che consista nel semplice scrivere i dialoghi, c’è chi pensa che lo sceneggiatore scriva solo il soggetto, è un mestiere ancora inesplorato, ma anche difficile da spiegare ed incredibile.

Però ho imparato a convivere con questa storia.

Penso che passerò tutta la vita a trovare gente che dice: Ciao ho letto il tuo fumetto, mi disegni qualcosa? ed in realtà non stanno mentendo solo che associano il mio nome alla storia disegnata. Alla fine scrivendo per fumetti popolari è normale che si sia più devoti al personaggio e non all’autore.

Immagino, lei preferisce più scrivere in seriale o opere uniche?

Non c’è una risposta, dipende dai momenti. Dopo un po’ che faccio seriale mi vien voglia di sperimentare altro… no, non c’è proprio una risposta. Scrivo tante cose diverse e mi piace, perché dopo un po’ che scrivo sempre lo stesso tipo di storie mi vien voglia di cambiare. Anche come lettore mi annoierei a leggere lo stesso tipo di libro o vedere lo stesso tipo di film e mi annoierei anche come autore a fare lo stesso tipo di storia con gli stessi personaggi.

In qualche modo, mi dà idea che lei sia molto libero. Riesce a spaziare tanto fra generi e tipologie diverse ma anche soltanto in Topolino, che alcuni lo definisco rigido, lei è capace di saper essere libero all’interno di quelle regole. Come fa?

In realtà sì. Penso principalmente perché non sento molto il limite anche in una storia disneiana e variare molto la scrittura mi permette di non avere un tipo di storia da non poter scrivere. Questo mi rende libero probabilmente.

Ultima domanda: ai nuovi giovani autori, cosa consiglierebbe?

Di essere giovani autori. Di capire che anche i più vecchi erano dei giovani immaturi e quindi non cercare di copiarli, ma rinnovare sempre.

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